Crítica | Animais Fantásticos e Onde Habitam

★★★★

Fantastic Beasts and Where to Find Them, Reino Unido/EUA, 2016 | Duração: 2h13 | Lançado no Brasil em 17 de novembro de 2016, nos cinemas | Escrito por J.K. Rowling | Dirigido por David Yates | Com Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Colin Farrell, Dan Fogler, Ezra Miller, Alison Sudol, Samantha Morton, Carmen Ejogo, Jon Voight, Ron Perlman, Faith Wood-Blagrove.

Ao longo da introdução do livro Animais Fantásticos & Onde Habitam, escrito por J.K. Rowling sob o pseudônimo de Newt Scamander, a criadora de Harry Potter destaca a importância do estudo da magizoologia na manutenção da clandestinidade do mundo bruxo, uma vez que o conhecimento apurado sobre as criaturas mágicas permitiria que seu ocultamento frente à população não-bruxa pudesse ser realizado com maior eficácia. Por essa razão, a apropriação inusitada do título de um livro didático e não narrativo para introduzir o Mundo Bruxo™ (cuja trademark a distribuidora fez questão de enfatizar em seus releases para a imprensa) acaba soando curiosamente apropriada, considerando que, pelo que tudo indica, são justamente os conflitos oriundos das divergências ideológicas relacionadas ao ocultamento do universo mágico que irão definir o tom dessa nova série cinematográfica.

Escrito pela própria J.K. Rowling em sua primeira experiência como roteirista, o filme regressa ao ano de 1926 e mostra o magizoologista Newt Scamander (Eddie Redmayne) desembarcando em Nova York num momento em que a comunidade bruxa local enfrenta o temor de que os ataques promovidos pelo perverso Gerardo Grindelwald (Johnny Depp, recente e controversa escalação) no continente europeu cheguem às Américas. Portador de uma maleta mágica abarrotada de criaturas fantásticas que acidentalmente vai parar nas mãos do não-maj (trouxa, não-bruxo) Jacob Kowalski (Dan Fogler), Scamander acaba sendo acusado pelo Congresso Mágico dos EUA de causar mortes e desabamentos pela cidade e passa a ser perseguido por Percival Graves (Colin Farrell) - que, paralelamente, desenvolve negócios suspeitos que podem estar relacionados com o surgimento de uma misteriosa e destrutiva entidade mágica.

Preservando o tom mais soturno que caracterizou a sequência de capítulos comandados por David Yates, Animais Fantásticos e Onde Habitam rapidamente prova que o universo concebido por Rowling consegue se sustentar fora de Hogwarts e longe de Harry, Rony e Hermione: embora os novos personagens não sejam particularmente memoráveis ou cativantes, figuras como o bondoso e desajeitado Newt ou a correta e esforçada Goldstein (Katherine Waterston) são adequadas o bastante à trama e seus propósitos. Além disso, os produtores possuem plena ciência daquilo que diferencia este universo de quaisquer outros e não economizam na inserção de elementos mágicos na narrativa, associando seres, instrumentários e feitiços já conhecidos pelo público a ideias e conceitos inéditos, em sequências ou montagens que raramente soam deslocadas ou gratuitas.

Parte das novidades, naturalmente, dizem respeito às criaturas mágicas: apresentando algumas espécies extraídas diretamente livro-texto, como o tímido tronquilho (primo distante do Groot, de Guardiões da Galáxia), o robusto erumpente ou o sorrateiro pelúcio (responsável por algumas das cenas mais divertidas), a fauna do mundo bruxo possui uma importância apenas secundária na trama, embora motivem parte do conflito central e eventualmente colaborem para o andamento da narrativa. Aliás, diferentemente do que poderia se esperar de um filme povoado por criaturas fantasiosas e inspirado em uma série infanto-juvenil, Animais Fantásticos e Onde Habitam faz jus à maturidade adquirida pelo público da franquia e aposta em conflitos e temas mais adultos, possivelmente causando desinteresse na fatia consideravelmente mais jovem e inadvertida da audiência.

Porém, são justamente essas escolhas que permitem que este novo filme se junte a seus predecessores em um patamar digno de reverência. Com um casal formado por uma bruxa e um não-maj cujo romance é impedido pelas leis e tradições da época, o roteiro trata da intolerância sob uma ótica universal, considerando que discriminações equivalentes e tão infundadas quanto, quase um século mais tarde, ainda são praticadas contra casais do mesmo sexo ou de cores de pele, etnias, religiões, classes sociais ou idades distintas. Por fim, além de transmitir uma mensagem ambientalista um tanto contida e se arriscar a tratar brevemente até mesmo sobre a questão da pena de morte, Animais Fantásticos e Onde Habitam consegue introduzir com eficiência, através do discurso de determinado personagem contrário à ocultação do mundo mágico e favorável à soberania bruxa, os princípios fascistas que deverão embasar os conflitos dos próximos longas, possivelmente estabelecendo paralelos espertinhos com a História trouxa.

E as expectativas em relação ao que vem por aí não poderiam ser melhores: embora deixe a desejar em alguns aspectos (a trama não é das mais sofisticadas e possui um porção de pequenos problemas), Animais Fantásticos e Onde Habitam combina um roteiro satisfatório com um design de produção que ainda consegue se reinventar, efeitos especiais de ponta, um elenco bem ajustado e a direção de um sujeito mais que familiarizado com a tarefa, resultando em um retorno glorioso ao universo bruxo.

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Crítica | Horizonte Profundo - Desastre no Golfo

★★

Deepwater Horizon, EUA, 2016 | Duração: 1h47 | Lançado no Brasil em 10 de novembro de 2016, nos cinemas | Baseado no artigo de David Rohde e Stepanhie Saul. História de Matthew Sand. Roteiro de Matthew Michael Carnahan e Matthew Sand | Dirigido por Peter Berg | Com Mark Wahlberg, Kurt Russell, Dylan O'Brien, John Malkovich, Gina Rodriguez, Ethan Suplee, Brad Leland, Joe Chrest, James DuMont, Douglas M. Griffin, Dave Maldonado e Kate Hudson.

Em abril de 2010, a explosão de uma plataforma petrolífera a serviço da British Petroleum (BP) resultou na morte de onze pessoas e deu início a um dos maiores desastres ecológicos dessa natureza, graças aos quase três meses de derramamento de óleo que se seguiram à fatalidade no Golfo do México. Isso é o que a maior parte das pessoas já sabe a respeito do ocorrido na Deepwater Horizon - e o grande desafio assumido por Horizonte Profundo - Desastre no Golfo, adaptação cinematográfica do evento, é se aprofundar nas circunstâncias que levaram à tragédia sem permitir que as tecnicidades impeçam o acesso do grande público à história.

Embora não utilizem as ferramentos mais sofisticadas na tarefa, os roteiristas Matthew Michael Carnahan e Matthew Sand (inspirados pelo artigo de David Rohde e Stephanie Saul) e o diretor Peter Berg até conseguem que a fatia leiga do público fique suficientemente a par dos fatores que levaram à explosão. Infelizmente, o modo displicente como o cineasta registra a ação propriamente dita surge como um pesaroso desserviço à narrativa, dificultando a compreensão do espectador do ponto de vista prático.

Selecionando meia dúzia de empregados como ponte entre o público e a equipe da Deepwater Horizon, o roteiro traz Mark Wahlberg e Kurt Russell como Mike Williams e Jimmy Harrell, trabalhadores em posições de liderança que, recém chegados à plataforma para uma estadia de duas semanas, encaram com espanto e desconfiança o trabalho que vinha sendo desenvolvido por outra equipe no local. Pressionados por um chefão da BP (vivido por Jonh Malkovich) em virtude de um atraso de várias semanas no cronograma da perfuração, os operários se veem obrigados a relativizar resultados duvidosos, inconclusivos e insuficientes de testes fundamentais para a segurança daquela estação de trabalho - negligência que, horas mais tarde, acaba conduzindo à fatalidade.

No esforço para estabelecer uma ponte entre o público e a complexidade do funcionamento da plataforma, os roteiristas inevitavelmente acabam carregando a mão nos diálogos expositivos - e a propensão da dupla de expor conceitos através de metáforas piora ainda mais a situação, imprimindo artificialidade na interação dos personagens ao carregar de significado conversas supostamente casuais ou corriqueiras. Além disso, Berg, a equipe de efeitos especiais e o diretor de fotografia Enrique Chediak pecam na maior parte das tomadas submarinas incipientes, cuja fidelidade com a iluminação das profundezas oceânicas inviabiliza a assimilação por parte do público dos primeiros indícios do acidente até mesmo na escuridão da sala de cinema.

Entretanto, Horizonte Profundo se torna uma obra realmente problemática assim que a narrativa atinge o estopim do desastre de fato: ambientadas em um cenário noturno e estruturalmente complexo e estreladas por personagens majoritariamente masculinos cobertos por óleo, sangue e sujeira, as sequências de ação são comandadas por Peter Berg com um nível de frenesi que torna difícil distinguir personagens, ambientes e situações retratadas. Em resumo: a partir de certo ponto, fica praticamente impossível acompanhar a luta pela sobrevivência daqueles indivíduos em meio a explosões, desabamentos, chuva de destroços, gritaria e correria, o que condena irremediavelmente a produção.

Sem hesitar em responsabilizar a ganância e a irresponsabilidade criminosa da British Petroleum pela tragédia, Horizonte Profundo - Desastre no Golfo é um longa que, embora faça jus à memória dos falecidos, feridos e traumatizados na catástrofe (apesar da sobredose de melodrama no ato final), flerta perigosamente com o Cinema de Michael Bay e, infelizmente, acaba deixando muitíssimo a desejar em quesitos artísticos.

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Crítica | Festa da Salsicha

★★★

Sausage Party, EUA, 2016 | Duração: 1h29 | Lançado no Brasil em 6 de outubro de 2016, nos cinemas | História de Seth Rogen & Evan Goldberg & Jonah Hill. Roteiro de Kyle Hunter & Ariel Shaffir & Seth Rogen & Evan Goldberg | Dirigido por Greg Tiernan e Conrad Vernon | Com as vozes de Seth Rogen, Kristen Wiig, Jonah Hill, Bill Hader, Michael Cera, James Franco, Danny McBride, Craig Robinson, Paul Rudd, Nick Kroll, David Krumholtz, Edward Norton e Salma Hayek.

Diferentemente do que ocorre na TV, é possível contar nos dedos as animações adultas que, ao longo das últimas décadas, tiveram lançamentos cinematográficos que possam ser considerados expressivos. Concebido pelos responsáveis por comédias escrachadas como É O Fim e A Entrevista, Festa da Salsicha é uma dessas raridades que, produzida em animação tridimensional computadorizada, arrisca-se a levar sexo, drogas, palavrões, violência e vulgaridade a um universo tradicionalmente dominado por bichinhos falantes, valores familiares, lições de moral e outras patetices mais brandas.

Escrito por Kyle Hunter, Ariel Shaffir, Seth Rogen e Evan Goldberg a partir de um argumento desenvolvido também por Jonah Hill, o filme é ambientado em um supermercado cujas mercadorias endeusam os seres humanos e anseiam pelo momento em que serão escolhidas, compradas e levadas embora dali, rumo a um lugar que acreditam se tratar do paraíso. Entretanto, os produtos vivem em absoluta negação quanto ao destino hediondo que os aguarda nas residências dos clientes - e, quando descobre que o paraíso é uma falácia, a salsicha Frank (Seth Rogen) tenta de todas as formas alertar seus companheiros de prateleira, que preferem ignorá-lo e acreditar na crendice reconfortante que lhes fora passada por produtos ancestrais.

Eis o primeiro destaque óbvio de Festa da Salsicha: estabelecendo um paralelo evidente com as religiões, o roteiro aborda criticamente desde o uso da doutrina como arma de manipulação até os eventuais danos oriundos da intolerância religiosa, encontrando espaço ainda para repreender o discurso pudico das igrejas, expresso no sentimento de culpa que aflige constantemente o pão de cachorro quente Brenda (Kristen Wiig) em relação a seu desejo sexual latente. Ainda nesse sentido, o filme também faz bom proveito da dinâmica entre o pão Lavash (David Krumholtz) e Sammy Bagel Jr. (Edward Norton), cujo impasse faz clara alusão ao conflito entre palestinos e judeus.

Nem todas as sacadas, entretanto, são tão inspiradas: o humor fundamentalmente nonsense do longa não justifica, por exemplo, a sugestão de que determinados produtos do supermercado são ilegais simplesmente por serem mexicanos, soando como uma piada solta e gratuita envolvendo a situação dos imigrantes nos EUA. A forma como os roteiristas e os diretores Greg Tiernan e Conrad Vernon brincam com a violência, por outro lado, é responsável pelas melhores sequências da projeção: as mutilações exibidas no filme certamente seriam chocantes caso não fossem sofridas por meros produtos de consumo, tornando-se instantaneamente tolas - com destaque absoluto para a sequência em que a colisão entre dois carrinhos transforma um corredor do supermercado num cenário de guerra pós-bombardeio, perturbador na teoria, mas hilário na prática. Para completar, é preciso tirar o chapéu para a vitoriosa renúncia do bom gosto de um filme cujo vilão é nada menos que uma chuqueira (ducha vaginal/anal, para os que desconhecem a denominação popular) - ou Douche (Nick Kroll), no original, em um dos grandes trocadilhos perdidos na tradução.

E já que toquei nesse ponto, é impossível ignorar as perdas sofridas pelo filme na transposição do texto original para o português. Por motivos muito mais promocionais do que criativos, a adaptação do roteiro ficou a cargo do Porta dos Fundos, que surpreendentemente evita firulas e distrações (tirando a cena em que um portal interdimensional, em uma manobra ridícula, ganha o nome do grupo de comediantes) e realiza um trabalho infinitamente melhor que a adaptação datada e vexaminosa assinada por um de seus integrantes, Gregório Duvivier, para Aviões 2 - Heróis do Fogo ao Resgate. Infelizmente, o sucesso e a conformidade da tradução independem da contribuição da equipe de humoristas (que também emprestam vozes para alguns personagens): muito do humor concebido pelos realizadores é perdido quando artistas como Seth Rogen, Michael Cera, James Franco e Kristen Wiig são substituídos por composições caricatas vociferando um sem número de palavrões, ofensas e vulgaridades que, embora condizentes com a proposta do projeto e imprescindíveis para uma adaptação coerente, raramente soam orgânicos na versão em português - sem desmerecer, absolutamente, a competência dos dubladores profissionais.

Com uma qualidade técnica condizente com o baixo orçamento (menos de 20 milhões de dólares, que se convertem em uma animação sem versão em 3D e com visual barato e anacrônico), Festa da Salsicha é um filme cuja alma transgressora acaba, em última instância, sabotada por personagens predominantemente ingênuos inseridos em uma trama desconjuntada e excessivamente tola, tornando desarmônicas muitas das inserções de conteúdo adulto e, automaticamente, comprometendo sua tarefa primordial: a de satisfazer seu público-alvo.

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Crítica | O Lar das Crianças Peculiares

★★★

Miss Peregrine's Home For Peculiar Children, Reino Unido/Bélgica/EUA, 2016 | Duração: 2h06m46s | Lançado no Brasil em 29 de setembro de 2016, nos cinemas | Baseado no romance de Ransom Riggs. Roteiro de Jane Goldman | Dirigido por Tim Burton | Com Asa Butterfield, Eva Green, Samuel L. Jackson, Ella Purnell, Terence Stamp, Chris O'Dowd, Rupert Everett, Allison Janney, Finlay MacMillan, Lauren McCrostie, Hayden Keeler-Stone, Georgia Pemberton, Milo Parker, Raffiella Chapman, Pixie Davies, Joseph Odwell, Thomas Odwell, Cameron King, Kim Dickens e Judi Dench.

Concebido pelo escritor americano Ransom Riggs como fruto de sua paixão por fotografia vernacular e histórias bizarras, O Lar das Crianças Peculiares soa como uma versão infanto-juvenil fantasiosa de X-Men que, nas mãos do cineasta Tim Burton, ganha uma abordagem sombria mais que apropriada e bem-vinda. Entretanto, diferentemente do que ocorria nas histórias dos mutantes da Marvel ou em produções que abraçam paradoxos temporais, o filme abre mão de grande parte do potencial da premissa e dos elementos fantasiosos que definem seu universo ao manter o foco na tradicional disputa entre o bem e o mal, que ao menos é imaginativa o bastante para manter o espectador entretido.

No roteiro, escrito por Jane Goldman (Kingsman: Serviço Secreto), o garoto Jake (Asa Butterfield) decide viajar para uma pequena e remota ilha galesa depois que seu avô, Abe (Terence Stamp), à beira da morte, tenta convencê-lo que as histórias de ninar que lhe contara durante a infância envolvendo um orfanato repleto de crianças com habilidades especiais eram, de fato, reais. Esquivando-se da incredulidade de seu pai (Chris O'Dowd), Jake acaba atravessando um fenda temporal e retorna a 3 de setembro de 1943, dia que a senhora Peregrine (Eva Green) e suas crianças peculiares revivem incessantemente como meio de se proteger de ameaças externas. Entretanto, a segurança daquela fenda é comprometida pelo senhor Barron (Samuel L. Jackson) e um grupo de seres peculiares nefastos e inescrupulosos que desejam transferir a imortalidade própria da vida em loops temporais para a linha cronológica convencional, condição que supostamente seria alcançada através de um experimento perigoso que coloca ymbrynes - peculiares capazes de manipular o tempo, como a senhora Peregrine - na posição de cobaias.

Pra início de conversa, O Lar das Crianças Peculiares peca por apresentar um grupo de personagens que, embora presos a um mesmo espaço-tempo por mais de 70 anos, não apresentam qualquer tipo de consternação em decorrência do confinamento ou da reiteração - sem mencionar, é claro, a incoerência de vermos figuras cujas personalidades são compatíveis com suas idades biológicas, e não com suas experiências e tempo de vida. Além disso, a arbitrariedade e a conveniência das habilidades especiais dos personagens chega a causar desconforto - incluindo a revelação absolutamente frustrante da peculiaridade do protagonista, que depende diretamente do fracasso do primeiro experimento de imortalidade dos vilões mesmo sem possuir qualquer conexão com o evento em si.

Por outro lado, o filme ganha pontos ao se manter fiel a seus conceitos particulares e ao tom sombrio, mesmo quando ambos desafiam as expectativas normalmente estabelecidas para produções com público-alvo mais jovem: a forma como o roteiro explora a dinâmica dos loops temporais no terceiro ato, por exemplo, pode soar confusa até mesmo para os mais crescidinhos, ao passo que passagens como aquelas que trazem um cadáver de criança sendo usado como marionete ou os vilões devorando uma tigela de olhos conseguem ser impactantes a seu modo, mas sem traumatizar a rapaziada. Ainda nesse sentido, Burton e a direção de arte oferecem diversas contribuições acertadas a essa atmosfera mais soturna: repare, por exemplo, a casualidade com que Peregrine e as crianças vestem sisudas máscaras de gás para assistir a determinado espetáculo de destruição lúgubre por excelência, ou o modo como o visual sutilmente sinistro do figurino dos gêmeos, vividos por Joseph e Thomas Odwell, torna a inofensiva dupla uma presença levemente incômoda e perturbadora.

Embora menos espalhafatoso que em lançamentos anteriores do cineasta, o design de produção não merece menos elogios, que se estendem tanto aos departamentos de maquiagem e figurino (mesmo quando sugestivos num nível que às vezes flerta com a obviedade), por exemplo, quanto ao de efeitos especiais - com destaque para a sequência em que o funcionamento de determinada embarcação é restabelecido. Por fim, também vale apontar o efeito 3D é até bastante eficaz (especialmente considerando que a conversão foi feita na pós-produção) e que o uso notável de stop-motion na cena em que dois bonecos animados por Enoch (Finlay MacMillan) se enfrentam surge como um lembrete divertido e inofensivo do homem que está por trás das câmeras.

Com um Asa Butterfield esforçado, uma Eva Green contrabalanceando firmeza, zelo, mistério e excentricidade com excelência e um Samuel L. Jackson que se diverte mais do que o próprio público, O Lar das Crianças Peculiares é um passatempo mediano que, com o perdão pelo trocadilho, carece justamente de peculiaridades capazes de destacá-lo de tantas outras produções semelhantes ou equivalentes.

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Crítica | Bruxa de Blair

★

Blair Witch, EUA, 2016 | Duração: 1h29 | Lançado no Brasil em 15 de setembro de 2016, nos cinemas | Escrito por Simon Barrett | Dirigido por Adam Wingard | Com James Allen McCune, Callie Hernandez, Corbin Reid, Brandon Scott, Wes Robinson e Valorie Curry.

Lançado em 1999, A Bruxa de Blair se tornou um marcante fenômeno cultural por um somatório de razões. Amparada por uma campanha de marketing viral consistente e ambiciosa para a época, a obra de baixíssimo orçamento conquistou público e crítica graças ao eficiente uso de seus poucos recursos: a visceralidade do elenco estreante (dos diálogos improvisados às famigeradas estratégias dos realizadores para apavorar os atores durante o período de filmagens) e a intencional precariedade técnica casaram perfeitamente bem com a linguagem do found footage, subgênero ainda pouco popular na época.

Ao longo da década seguinte e respaldados pelo sucesso de A Bruxa de Blair, filmes como Cloverfield - Monstro e [REC] foram capazes de injetar novo gás aos falsos documentários com as tais "filmagens encontradas" - mas o desgaste da fórmula, a negligência de certos roteiros e até mesmo a completa incompreensão dos princípios básicos do subgênero acarretaram em uma leva de produções deploráveis, de modo que para cada triunfo como Poder Sem Limites ou Creep, fomos penalizados com desastres na linha de Filha do Mal, Projeto Dinossauro ou da penca de continuações do ótimo Atividade Paranormal.

Assim, foi com grande frustração que saí cabisbaixo da sessão deste novo Bruxa de Blair, depois de testemunhar uma marca de sucesso sendo ressuscitada após 17 anos às custas de um projeto que parece disposto a abdicar praticamente tudo que tornava o longa original uma obra tão marcante. Mais nova parceria entre o roteirista Simon Barrett e o diretor Adam Wingard (Você é o Próximo), a produção parece ignorar o vergonhoso e absurdo Bruxa de Blair 2: O Livro das Sombras e traz um grupo de jovens se metendo na floresta de Burkittsville, em Maryland, depois que James (James Allen McCune) é levado a crer por um vídeo da internet que sua irmã, Heather Donahue, ainda estaria perdida no local vinte longos anos após os incidentes retratados no primeiro longa. Guiado por dois nativos excêntricos, o grupo obviamente acaba descobrindo da pior maneira que a maldição da Bruxa de Blair é real.

As filmagens, por outro lado, são de uma artificialidade ímpar: como tem sido comum no subgênero, os diálogos são demasiadamente claros e limpos, os sons ambientes se distribuem com destreza entre os vários canais do sistema de som e as imagens produzidas até mesmo por câmeras minúsculas contam com qualidade exemplar - menos, claro, quando sofrem interferências, recurso também bastante batido. Ainda nesse sentido, o longa peca pelo excesso de cortes: a alternância entre as várias câmeras utilizadas pelo grupo compromete severamente a pretendida naturalidade das imagens - especialmente se compararmos com o filme de 99, que contava com apenas duas câmeras, operadas de fato pelos próprios atores, e uma edição mais simples, com planos mais longos.

Pra piorar, os realizadores também divergem criativamente em relação a alguns dos maiores êxitos do primeiro filme. Enquanto o original abria mão dos sustos, efeitos especiais e trilha sonora pra apostar todas as fichas no poder da sugestão, esta continuação acha conveniente exibir certas entidades, martelar o teor tenebroso de deteminadas passagens com acordes sonoros alheios ao universo diegético e assustar o público da forma mais gratuita possível: com elevação abrupta do som nas inúmeras aparições inexplicavelmente repentinas de praticamente todos os personagens (em certo momento, um deles até reconhece o problema e alega que "vocês têm que parar de fazer isso [aparecer de supetão]", o que não redime a falha).

Como se não bastasse, o roteiro de Barrett é um festival desregulado de clichês: quem ficaria remotamente espantado ao constatar, por exemplo, que o personagem mais incrédulo e desdenhoso em relação à maldição é também sua primeira vítima? Aliás, vale apontar que nenhum dos novos elementos apresentados surge como um complemento interessante à lenda da Bruxa de Blair: aquele envolvendo lapsos temporais, aliás, é particularmente danoso e, fatalmente, prejudica o ritmo da narrativa, quando estende demasiada e inadvertidamente a duração de certa noite. Pra piorar, a produção consegue se comprometer até mesmo na escolha das locações - e não há nada mais frustrante do que perceber que as características físicas da floresta desse novo filme destoam enormemente das paisagens vistas no original, o que arrebenta a conexão entre suas tramas (além de ter me causado calafrios pela recordação do brasileiro Desaparecidos, provavelmente o pior found footage já produzido na História).

Prejudicado, ainda, por um elenco insosso, Bruxa de Blair consegue se aproximar da produção original em ao menos um aspecto: ter contado com uma campanha de marketing cuja estratégia obteve algum êxito - mas, dessa vez, atraindo atenção para um projeto que lamentavelmente não a merecia.

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Curta | Lights Out

O terror é, certamente, um dos gêneros que possui maior afinidade com a duração e a linguagem de curtas. O sueco Lights Out é um ótimo exemplo disso e, em seus menos de três minutos, estabelece um objetivo bem claro, que cumpre com bastante destreza: apresentar o conceito de sua assombração e fazê-la atacar os nervos da audiência - sem a necessidade de buscar explicações elaboradas sobre o passado, a origem ou as motivações deste algoz, como normalmente ocorre em longas (e provavelmente ocorrerá na adaptação americana Quando as Luzes se Apagam.

Apresentando uma situação rotineira, o curta potencializa o impacto do horror ao utilizar uma atriz comum, em um cenário idem e se comportando como a maioria de nós o faria numa situação como aquela, indo da incredulidade natural ao pânico inevitável em questão de segundos. Além disso, o cineasta David Sandberg faz um uso calculado e certeiro de elementos como trilha, ruídos e silêncios da edição sonora, enquadramentos, montagem e efeitos especiais na construção do medo, prejudicando o sono de todos aqueles que decidirem ver (ou lembrar) de Lights Out a caminho da cama.

Lights Out, Suécia, 2013 | Escrito por David Sandberg | Dirigido por David Sandberg | Com Lotta Losten.

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Crítica | Looking: The Movie

★★★★

Looking: The Movie, EUA, 2016 | Duração: 1h24m35s | Lançado no Brasil em 30 de julho de 2016, na HBO | Baseado na série criada por Michael Lannan. Escrito por Andrew Haigh & Michael Lannan | Dirigido por Andrew Haigh | Com Jonathan Groff, Frankie J. Alvarez, Murray Bartlett, Lauren Weedman, Raúl Castillo, Russell Tovey, Daniel Franzese, O-T Fagbenle, Bashir Salahuddin, Chris Perfetti, Derek Phillips, Michael Rosen.

Embora ainda estejam longe de definir um cenário ideal, a discriminação e a repressão históricas sofridas pela comunidade LGBT vêm regredindo expressivamente ao longo das últimas décadas, permitindo, por exemplo, que a presença de figuras queer na indústria cultural se torne cada vez mais comum e, sobretudo, mais naturalizada. Entretanto, por maiores que sejam esses avanços, ainda persiste uma enorme carência de produções culturais que foquem e mergulhem em questões que, embora relacionáveis e universais em sua essência, são próprias de uma comunidade ainda mal compreendida.

E é com um pesar incontornável e a sensibilidade habitual que Patrick, Agustín, Dom, Doris e Kevin se despedem do público em Looking: The Movie, telefilme que arremata o arco da série homônima precocemente cancelada pela HBO no último ano por falta de audiência e que, ao longo de apenas 18 episódios de meia hora de duração, lançou um olhar acurado sobre os anseios, expectativas, frustrações e decepções do homem gay contemporâneo em questões relacionadas a amizade, relacionamentos, sexo, saúde, carreira e família.

No filme, escrito pelo diretor e produtor Andrew Haigh (Weekend) ao lado do criador da série Michael Lannan, descobrimos que o designer de videogames Patrick (Jonathan Groff), frustrado com os rumos que sua vida vinha tomando, mudou-se para Denver em busca de algum tipo de recomeço catártico. De volta a São Francisco para o casamento de Agustín (Frankie J. Alvarez) e Eddie (Daniel Franzese), o rapaz reencontra figuras de seu passado (recente) e acaba se dando conta de que a decisão de abandonar a cidade tratava-se, na realidade, de uma estratégia para fugir dos conflitos emocionais mal resolvidos que ainda o afligiam, em vez de enfrentá-los de frente.

Levemente prejudicado pela carga de diálogos expositivos, que visam tanto dar alguma orientação ao público que não acompanhou a série quanto preencher a lacuna entre a segunda temporada e o filme, Looking apresenta versões mais maduras de seus personagens, mas concentra as maiores atenções no arco do protagonista: visivelmente empenhado em reprimir parte de suas emoções, Patrick surge como um sujeito menos impulsivo e autodestrutivo que, mais do que nunca, parece disposto a compreender o lado de seus interlocutores e a reconhecer seus próprios e múltiplos erros em assuntos não resolvidos ao longo das temporadas.

Aliás, a excelência da construção dos personagens é um dos grandes méritos de Looking, fazendo com que a narrativa seja amplamente enriquecida pela simples interação entre suas figuras imperfeitas e erráticas - o que fica evidente, por exemplo, na eficácia da sequência em que Patrick e seu ex-patrão e ex-amante Kevin (Russell Tovey) acertam suas pendências pessoais, quando o roteiro não se rende à tentação de soluções fáceis, frágeis e piegas. Infelizmente, o mesmo não pode ser dito da passagem próxima ao desfecho em que o protagonista e sua antiga paixão, Richie (Raúl Castillo), debatem sobre o futuro, numa tentativa atrapalhada e infeliz de oferecer ao público uma perspectiva palpável, mas não muito concreta sobre o destino de ambos, que se estabelece como uma das maiores decepções do longa.

Como era de se esperar, Looking: The Movie ainda merece aplausos por inserir na narrativa breves reflexões sobre temas que dialogam diretamente com o público gay e que ainda não haviam sido abordados na série - a legalização do casamento entre pessoas do mesmo sexo ou como se assumir precoce ou tardiamente pode influenciar de maneiras distintas a formação da personalidade de um indivíduo são alguns exemplos. Por fim, os realizadores mais uma vez chamam a atenção pela veracidade e visceralidade das relações sexuais vistas em tela - exatamente o que deveríamos esperar de uma cena pensada, escrita, coreografada, dirigida e protagonizada por homens homossexuais.

Celebrando com eficiência ímpar o valor de amizades legítimas e merecendo aplausos por toda a discussão em torno da inexistência de respostas fáceis para questões sentimentais complexas e da importância de, nesses casos, ter culhões para assumir riscos em busca da felicidade (com destaque para a estranhamente eficiente cena em que Patrick e Dom exploram com espontaneidade, naturalidade e sem neuras a barreira que separa a amizade da sexualidade), Looking: The Movie é um encerramento à altura de uma série extremamente subestimada que, além de saudades e melancolia, deixará uma legião de órfãos de uma representatividade que não se vê todo dia por aí.

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Crítica | Hush: A Morte Ouve

★★★

Hush, EUA, 2016 | Duração: 1h21m43s | Lançado no Brasil em 8 de abril de 2016, na Netflix | Roteiro de Mike Flanagan & Kate Siegel | Dirigido por Mike Flanagan | Com Kate Siegel, John Gallagher Jr., Samantha Sloyan e Michael Trucco.

Em mais de uma ocasião, usei este espaço para comentar (e às vezes lamentar) o desgaste que o terror vem sofrendo ao longo dos anos. Amplamente dependente de suas convenções, o gênero segue prolífero na cena independente enquanto suplica com cada vez maior intensidade por realizadores arrojados e premissas que não só justifiquem a reutilização da cartilha de convenções, mas também que façam bom uso destas.

Hush - A Morte Ouve seria apenas mais um terror ordinário caso não introduzisse um elemento particular que dá abertura à abordagem singular de uma premissa pra lá de batida. Escrito pelo diretor Mike Flanagan e pela atriz principal Kate Siegel, o filme gira em torno de uma escritora que, isolada em uma casa remota com janelas amplas no meio de uma floresta, torna-se alvo de um psicopata mascarado com intenções homicidas e motivações incertas. O que diferencia Maddie (Siegel) das incontáveis figuras que já protagonizaram a mesmíssima história nas telonas anteriormente, porém, é que a mulher não conta com um dos sentidos: a audição. Assim, a moça se vê obrigada a redobrar a atenção e utilizar todas as ferramentas que existirem a seu favor para sair daquela situação com vida.

Embora enriqueça a narrativa, esse diferencial obviamente não impede que outros erros sejam cometidos e comprometam suavemente o projeto como um todo. Como de costume, o roteiro depende da imprudência e falta de cautela tanto da mocinha quanto do vilão para transformar um embate trivial em um longa-metragem de oitenta minutos - e os roteiristas ao menos são honestos ao assumir logo a estupidez de seu antagonista, que promete torturar psicologicamente a protagonista e só invadir a casa quando a mulher estiver derrotada pelo abatimento, permitindo, naturalmente, que Maddie elabore uma porção de pequenos planos para tentar ludibriar o psicopata vivido por John Gallagher Jr.

O ator, aliás, revela-se uma escolha infeliz para o papel: habituado a dar vida a figuras inseguras ou carismáticas, Gallagher Jr. trabalha a psicopatia do homem através de caretas convencionais e jamais transforma o sujeito em uma figura mais assustadora do que o indivíduo mascarado apresentado no primeiro ato do longa. Kate Siegel, por outro lado, faz da protagonista um ser muitíssimo mais crível, que apanha para operar uma balestra e sofre de dor quando ferida enquanto evolui do incontestável e incontornável pavor inicial ao surto de coragem que a acomete na reta final do longa.

Porém, mesmo com todos os problemas, Hush é beneficiado pelo talento de Mike Flanagan, que já havia chamado a atenção no interessante O Espelho e, neste novo trabalho, faz um excelente uso das ferramentas narrativas (trilha, montagem, fotografia, edição de som) na construção da tensão do longa - especialmente ao colocar os espectadores, ouvintes em sua expressiva maioria (taí mais um filme que não funcionaria tão bem para deficientes auditivos), em posição especialmente privilegiada, compartilhada pelo vilão.

Lançado diretamente na internet, Hush - A Morte Ouve é uma produção esforçada cujos poucos recursos recaem nas mãos de profissionais competentes e promissores sobre os quais, se tivermos sorte, ouviremos bastante nos próximos anos - com o perdão pelo trocadilho infame.

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Crítica | Mogli: O Menino Lobo

★★★

The Jungle Book, EUA, 2016 | Duração: 1h45 | Lançado no Brasil em 14 de abril de 2016, nos cinemas | Baseado nos livros de Rudyard Kipling. Roteiro de Justin Marks | Dirigido por Jon Favreau | Com Neel Sethi e as vozes de Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong'o, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito, Christopher Walken, Garry Shandling.

Não fosse a memória emotiva do público em relação à animação clássica homônima, Mogli: O Menino Lobo teria pouquíssimo apelo e muito provavelmente fracassaria nas bilheterias internacionais - isso, claro, se algum estúdio tivesse tido a coragem de dar sinal verde para a produção. Diferentemente do ótimo e recente Cinderela, cujos arquétipos contam com certa atemporalidade e ainda encontram ressonância nos dias atuais, esta refilmagem da produção cinquentenária dos estúdios Disney até consegue se adequar com certa eficiência à linguagem e à tecnologia contemporâneas, mas fica refém da frouxidão e do caráter episódico da trama.

Escrito pelo pouco experiente Justin Marks com base nos livros de Rudyard Kipling e tomando sempre a animação da década de 60 como parâmetro, o filme gira em torno de um garoto humano (Neel Sethi) que, encontrado pela pantera Bagheera (Ben Kingsley) e criado por lobos, tem a selva como seu verdadeiro lar. A presença de Mogli naquele ecossistema, entretanto, não agrada a todos: vítima de ataques de humanos no passado, o perigoso tigre Shere Khan (Idris Elba) anuncia durante uma trégua entre os animais sua intenção de matar o garoto, evitando que este se torne um homem e coloque em risco a fauna da região. Assim, o jovem rapaz acaba sendo obrigado a evadir da área rumo à terra dos homens, deparando-se no caminho com uma série de animais com as mais diversas intenções.

Recorrendo sempre a soluções convenientes para as enrascadas em que Mogli se mete, o roteiro sofre da já mencionada dificuldade de conectar os diversos segmentos da jornada do garoto com a fluidez desejada - e o problema só não é maior graças à decisão acertada de incorporar apenas duas canções (The Bare Necessities e I Wanna Be Like You) da animação clássica à narrativa (há uma terceira, Trust in Me, durante os créditos finais). Além disso, as injeções de humor funcionam muito bem na maior parte do tempo, amenizando as deficiências do roteiro e surgindo como um adicional especial para o público adulto, notório alvo da nostalgia da produção - e não é à toa que, em sua segunda semana em exibição no Brasil, o filme tenha tido sessões dubladas substituídas por legendadas em diversas praças do país.

Sensivelmente mais assustador que o antecessor, Mogli: O Menino Lobo conta com um elenco de vozes estelar que nem sempre satisfaz as necessidades de seus personagens. Em um papel anteriormente assumido por homens em sua maioria, Scarlett Johansson confere à serpente Kaa o tom ao mesmo tempo enigmático e traiçoeiro demandado pela personagem - mas o resultado, seja pelo design do animal ou por alguma outra razão, não é tão satisfatório quanto o esperado. Por outro lado, Bill Murray mostra-se uma escolha divertida, competente e compatível com o preguiçoso, malandro e fiel urso Baloo, enquanto Christopher Walken confere ao primata Rei Louie um ar mafioso absolutamente adequado ao personagem, embora comprometa o número musical estrelado pelo vilão com seu canto medíocre.

Tecnicamente, o filme tem resultados coerentes com o investimento e com a escolha de um diretor como Jon Favreau, habituado ao uso intensivo de efeitos especiais. Toda a ampla variedade de espécies que compõem a fauna daquele ecossistema apresenta um visual extremamente convincente e se movimenta com inquestionáveis e irrepreensíveis complexidade e fluidez. Além disso, o design de produção consegue desenvolver cenários adequados às distintas fases da narrativa, como a sombria porção da floresta que sedia o encontro com Kaa contraposta às floridas, iluminadas e atraentes redondezas que servem de moradia para Baloo. Infelizmente, a onipresença de criações digitais confere uma artificialidade incontornável e prejudicial à estética da produção: em momento algum acreditei que o talentoso e esforçado Neel Sethi estivesse na selva que ambienta a trama - e o surpreendentemente péssimo 3D só piora a situação (repare o desastroso resultado de uma cena envolvendo chuva, por exemplo).

Arrematado com créditos finais que chamam a atenção pela criatividade e bom humor, Mogli: O Menino Lobo aposta na nostalgia do público e na sofisticação da tecnologia para criar a demanda por um remake, algo que por si só, não existiria - e embora o resultado não desperte desgostos particularmente severos, tampouco inspira maiores elogios.

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Crítica | Rua Cloverfield, 10

★★★★

10 Cloverfield Lane, EUA, 2016 | Duração: 1h43 | Lançado no Brasil em 7 de abril de 2016, nos cinemas | História de Josh Campbell & Matthew Stuecken. Roteiro de Josh Campbell & Matthew Stuecken e Damien Chazelle | Dirigido por Dan Trachtenberg | Com Mary Elizabeth Winstead, John Goodman e John Gallagher Jr.

Do topo do meu privilégio masculino, por muito tempo rejeitei a ideia da corrente feminista que defende que "todo homem é um estuprador em potencial". O discurso só passou a fazer sentido para mim quando fiz a leitura correta e entendi que, em situações criticas, a figura masculina, por si só, pode representar uma ameaça palpável para mulheres e despertar nelas um instinto de autopreservação; em outras palavras, é perfeitamente compreensível que uma mulher adote uma postura defensiva, por exemplo, ao cruzar com um homem desconhecido em uma rua deserta, já que a estabilidade mental do sujeito é uma incógnita e agressões misóginas são muitíssimo mais comuns do que gostaríamos.

Entretanto, mesmo já tendo ajustado minha perspectiva em relação ao assunto, continuo sendo e sempre serei um privilegiado indivíduo do sexo masculino - e por maiores que sejam a compaixão e a empatia que nutro pela causa feminista, elas jamais me trarão uma compreensão satisfatória do que é estar no papel oprimido em uma situação dessa natureza. Mencionei tudo isso para destacar que Rua Cloverfield, 10 é, sem dúvidas, um thriller aterrador para todas as audiências, mas deve representar uma experiência ainda mais tensa e penosa para o público feminino.

No filme, escrito por Josh Campbell, Matthew Stuecken e Damien Chazelle, a aspirante a estilista Michelle (Mary Elizabeth Winstead) sofre um acidente automobilístico e acorda horas depois acorrentada ao encanamento de um calabouço. Já suficientemente apavorada, a mulher descobre que o cativeiro é mantido por Howard (John Goodman), um homem mais velho, corpulento e ligeiramente sombrio - e quando ela reivindica sua liberdade e implora que sua integridade seja preservada, o sujeito anuncia misteriosamente que o objetivo daquele cárcere é "mantê-la viva".

A ambiguidade do personagem de John Goodman é a espinha dorsal do suspense do filme, trabalho esse que o ator veterano desempenha com imensa competência: embora consiga tranquilizar gradualmente a desconfiada Michelle conferindo-lhe certas liberdades, apresentando o abrigo subterrâneo que ambos e o alvoroçado Emmett (John Gallagher Jr.) compartilham e dividindo com ela sua teoria e evidências sobre o suposto ataque químico que assolou a superfície terrestre, o homem exibe uma série de comportamentos ambíguos que, vistos sob um prisma mais pessimista, são perfeitamente dignos de desconfiança - e confesso que, na maior parte do tempo, fui mais otimista e apostei na possibilidade de Howard ser um sujeito com boas intenções.

(Atenção!: o restante do texto contém spoilers)

Todavia, tratava-se de um posicionamento involuntariamente tendencioso (e um pouco machista, preciso admitir) de minha parte e teria sido um imenso erro e um tremendo desserviço caso os roteiristas tivessem seguido por essa vertente: caso o personagem de Goodman tivesse, de fato, boa índole, a postura defensiva de Michelle acabaria soando inoportunamente como equivocada histeria feminina. Assim, quando Howard assassina abruptamente Emmett na virada do segundo para o terceiro ato e ressurge, na cena seguinte, de barba feita, qualquer ambiguidade cai por terra e todas as atitudes suspeitas do homem ganham um contorno mais definido: Howard não é só um homem instável, perigoso e paranoico, mas um legítimo predador sexual, tão ou mais assustador que os inimigos que supostamente aguardam a protagonista do lado de fora do bunker.

Dividindo características remotas com o primo Cloverfield - Monstro, de 2008, Rua Cloverfield, 10 prova que não são necessários grandes recursos para a produção de um suspense de ficção científica eficiente e tematicamente relevante - e não é à toa que a parte mais ordinária e menos interessante do longa é justamente aquela transcorrida no exterior do abrigo, culminando em um desfecho substancialmente menos extasiante que o esperado. Um mero pecadilho para uma junção de esforços artísticos tão bem sucedida.

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